大阪国立国际美术馆邀请8位艺术家,诠释家庭的苦与乐

理耕

2023-09-06 13:02:00

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“家”对每个人来说或许意义不同,但其中必有共性。近日,大阪国立国际美术馆邀约8位当代艺术家探讨有关家庭的议题,沿着记忆、历史、身份、迁徙等关键词,让展览“可爱的家”(Home Sweet Home)从微观的社会单位家庭辐射至抽象的故乡概念及宏观尺度的国家。不同社会和文化环境里的创作实践彼此之间求同存异,“家”在当下的转变及深处不变的普遍特质通过艺术表达浮现而出。

图片> 鎌田友介,“日式房屋”


展览首先带领我们进入家庭的日常。玛丽亚·法拉(Maria Farrar)钟情于描绘生活,她善于将偶然遇到的场面或是记忆里平凡的人、事、物的片段重新组合成新的场景。最终的画作犹如在时间里截取的瞬间切片,漂浮于真实之上。匿名的女性主角背对着观众,带给观者想象空间。其造型语言借鉴了东方的书法和漫画,笔法或细致工巧、或苍劲有力。她惯常使用高饱和度的油画颜料,将色块叠加在粗糙的亚麻布上。而在过去几年里,她的行动受到疫情限制。无法前往工作室的时候,法拉就在家中用粉彩绘制小幅的画作。色彩的纯净和明亮饱含着治愈能量,消解着单调和消极。另一位参展艺术家潘逸舟亦回应着疫情时期的特殊生活。潘逸舟1980年代末出生于中国上海,孩童时期移居日本,独特的成长历程提供给他在不同文化间往返的路径。借用周遭唾手可得日用品,例如运输蔬菜的箱体,艺术家拓展出一番跨文化的想象。物,变成一个问号,它象征疑问或困惑,返回潘逸舟所生存的现实内。


他的作品在无可奈何的悲伤中透着幽默,好像在狡黠地嘴角上扬向我们提问:“家”为何物?“家”在物质世界中是一个特定的空间。镰田友介的研究项目“家宅”(The House)将日式传统的双层木屋作为考察对象。以这种房屋的建造史为切口,镰田友介重新审视了20世纪上半叶的全球史。日式双层木屋除日本本土外,今人仍可以在韩国、巴西和美国等地见到其身影。1910年,殖民统治下的朝鲜半岛开始为殖民者兴建风格趋近的住宅;同一时期,大和民族传统建筑强调水平线的美感及其标准化、简洁的搭建形式被西方现代主义建筑师注意到了;至1940年代,大洋彼岸的美国和日本交战正酣,建筑师向美军如实交代了木屋的结构脆弱性,美军便搭建起日式村庄用来测试燃烧弹的威力。看似无害的房子却在动荡的环境里变成“敌人的家宅”。返回当下,韩国艺术家金成焕(Sung Hwan Kim)在地产资本的流动链条中定义房屋与人的关系。金成焕以他现居的城市纽约和家乡首尔为主要关注地域,剖析两座城市房地产从开放到衰弱的周期规律。在美国,地产地块的划分实际上区隔了不同的阶级和种族。在首尔,新兴的中产者会拥有一套现代公寓,再努力购入乡间别墅。前者服务于家庭生活所需,后者则是梦想的投射。虽然韩国的房地产无关种族,但保值、增值的不动产仍是家族遗产的重要部分,它使得经济上的特权在代际之间传递。

图片> 安德罗·韦库亚,“家”, 2023 


图片> 莉迪亚·乌拉赫曼,“母亲的缺席”


展览主题里的“Sweet”形容家庭的甜蜜、舒适和宜人。不过,策展层面的作品选择并非全部基于上述积极的特征,许多个案都是透过现实棱镜来呈现家庭之苦。安德罗·韦库亚(Andro Wekua)的自我写生发生在有关“家”的微缩模型装置里。在韦库亚12岁那年,他的父亲因参与政治运动而被暗杀。韦库亚和他的家人不得不离开家乡,但是他从未忘怀故土。2010年开始,他通过网络联系其他流亡者,搜集家乡建筑物的照片。根据影像,韦库亚精心制作了一系列模型,它们不是原件的忠实复制,所有记忆中空白的部分和照片里失掉的细节在模型上都体现为缺失。模型涂装有艳丽的色彩,它们源自创作者的“心像”。


对于韦库亚来说,家是无法完全重建、永远不可回去的地方。记忆的外化总是带有太多的不可能,因此莉迪亚·乌拉赫曼干脆选择了让记忆“嵌入”自己的身体。2015年,乌拉赫曼在故乡阿尔及利亚的街头遇到一名年轻男子,他希望乌拉赫曼买下一条声称是他母亲的18k金项链。乌拉赫曼以300欧元的价格成交,此价格正好是当时蛇头向想要偷渡到欧洲的难民收取的费用。后来,这条金链被熔化,铸成两颗金牙,其中一颗植入了乌拉赫曼右上颌磨牙的位置,填补了因病所致的缺失。此行为并非单纯出于身体的病痛,而是针对家族历史里的隐秘创伤:乌拉赫曼的祖父是一名优秀的狙击手,二战末期为了逃避加入宗主国军队作战,他拔光了自己所有的牙齿。镶入金牙与祖父拔牙的动作呼应,构成乌拉赫曼“切身”理解效忠和背叛的一种方式。口中的异物参与每次咀嚼,它亦咬合着地缘政治、移民议题和殖民主义夹成的“三明治”。

图片> 石原海,“重力之光”

图片> 鎌田友介,“房屋”


艺术是治愈苦痛的良药。竹村京在东京艺术大学读到三年级的时候曾走访奈良,深受日本最古老的《天寿国绣帐》感染,决心致力于钻研超越时空局限的刺绣艺术。她将日本本土的纱线视作语言一般。刺绣的过程就如同言说,帮我们寻回亲密关系里已经丢失的部分,将无法追索的感受转化为有形的存在。她的“修复”系列使用的基础材料是意外损坏的生活用品。艺术家先采用黏合剂暂时固定断裂的部分,再用白色丝线将之缝合。“伤口”散发着含蓄的光芒。光,同样是新一代影像新锐石原海《重力之光》里的关键意象。石原海迁居北九州后,认识了9位因信仰相聚在一起的人。他们的背景各不相同,有为生命意义苦恼的人、有患病的人、有受虐待的人,还有黑道人物和志愿工作者。为了排演一部戏剧,他们陆续“登场”。石原海的实验手法混淆了纪录和虚构的界限,自由地展开了非线性叙事。被拍摄的主体带着勇气和感悟,向摄影机暴露着自己的心理伤痕。观者不禁好奇,是什么给了他们如此安全的感觉呢?又是什么把他们联系在一起,组成了一个无血缘的“家庭”呢?

图片

图片> 竹村京,“修复”系列 


石原海坦言她的灵感源于法国思想家西蒙娜·韦伊(Simone Weil)的《重力与恩宠》(法语:La Pesanteur et la Grâce )。重力,指向俗世之烦扰,它拖着人类社会向下,现今家庭所经受的磨难亦可归咎于此;恩宠,则意味着人与人之间的爱。爱是黑暗里的一道光,它引导我们走向和解 — 展览的落脚点就在这里:既然家庭是自然社会的基础,谁也不能认同削弱家庭功能是有益于社会的。“可爱的家”希冀所有家庭都能逐渐增进自身爱的能力。即使在家庭中的我们无法立即改变那些困难的处境,但选择无条件的爱,依旧是通向喜乐最佳的道路。

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